Gero Hellmuth

Gero Hellmuth

malerei zeichnung relief plastik


Bogdan Twardochleb, Open doors, 2020

Open doors

(About the Art of Gero Hellmuth)

Gero Hellmuth's exhibition “Job” has been shown several times in Germany. Two years ago they were seen for the first time on Polish soil, in the new building of the Szczecin Philharmonic Hall, exactly where the German Philharmonic Hall, which had been torn down after the war, had previously stood. The exhibition was accompanied by the picture cycle “War Children”.
The World War II Museum is now the second place in Poland where this exhibition can be seen. It originated from a Polish-German project that had been opened in 2015 in the German Parliamentary Society in Berlin on the 70th anniversary of the end of the war by Gero Hellmuth under the title "... that you can talk to them". In Gdansk, the place from which the war started, it now accompanies the commemoration of its end 75 years ago.
Michał Dobrzyński's music and Ewa Gruszka-Dobrzyńska's violin improvisations are added to the “Job” exhibition. Gero Hellmuth, who celebrated his 80th birthday this year, is forty years more than the two. He outlined his idea of ​​a collaboration with the motto: "Get closer to each other."

Escape and academy

Gero Hellmuth lives in the small town of Singen (Baden-Württemberg) near the German-Swiss border. He comes from northern Germany, the prince city of Neustrelitz in Mecklenburg.
At the end of the war at the age of five, he was forced to flee from his home and town. The war took revenge on the state that had sparked it and led to cruelty unknown at the time. When it came to an end, the residents of this state paid the bill collectively, regardless of their individual debt. It was all their fault to be German. Humans paid people back years of humiliation and death. States sealed off their borders, doors were locked. Neighbors became a threat to each other.
After escaping from Neustrelitz, Gero Hellmuth settled in Eckernförde on the Baltic Sea. He graduated from high school in Stuttgart and has lived in Singen since 1971. He studied at the Academy of Fine Arts in Karlsruhe, a training facility that played an important role in the development of post-war artistic life in Germany. There he graduated, additionally in philosophy and art history.
His professors included Klaus Arnold, a painter and sculptor, expressionist, co-founder of the new figuration in painting, music lover, a man who was already convinced of the coming unity of Europe in the 1950s. In the Philippus-Kirche in Mannheim there are two reliefs from his hand, with quotes from the Gospel of John. Inside the church, near the main entrance, you can see the first: "Lord, show us the Father" (Jn 14.8), the second at the altar: "Whoever sees me will see the Father" (Jn 14.9). In the first, doubt is articulated, in the other, hope.

It is precisely these two feelings that wrestle with each other in Job's fate - this metaphor for the lot of man.
Another teacher of Gero Hellmuth was the painter and sculptor Peter Dreher, a representative of neorealism. Many of his works are characterized by special attention to small things and beings. He created small-format pictures, portraits in oil as well as reverse glass paintings, of which he left dozens. He painted landscapes, colorful flowers and black-and-white depictions of skulls reminiscent of silent pictures of mass graves. He is the author of figurative compositions in many formats and reliefs in churches. He always understood his art in connection with morality, social life, politics.

Immersed in the fate of the world

Gero Hellmuth's work reveals the community and character of his training center. Art critics also notice his artistic closeness to representatives of the avant-garde of the 20th century, such as K. R. H. Sonderborg with his expressive abstraction or Karl Fred Dahmen with his pictures composed of wood and metal. What united them was the central experience of war as total destruction and reconstruction.                                                                                                The same could be said of the art of Anselm Kiefer, Detlef Kappeler or Günther Ueckers, who was only twenty years old at the time. It should be noted that his “Book of Job” will soon be shown in Szczecin.
Gero Hellmuth's work is strongly interwoven with everyday social and political events, as has been characteristic of the visual arts in recent decades. The artists participate in social and political life by saturating the public space with the force of symbolic actions and meanings.

Gero Hellmuth is the creator of spatial compositions such as the “Cross of the Unemployed”, which - case by case - is set up in front of companies whose employees are at risk of falling into unemployment. His latest work reflects the current drama of migration and the fate of refugees.
The artist has worked with the Singen Carnival Association (Fasnachtsverein) for many years. Every year he designs original portraits, murals, caricatures, wall and ceiling frescoes for the annual celebrations, executed with humility, lively but also melancholic. A few years ago he painted for nine weeks on a fresco in the vault of a building, lying like a master of the Renaissance on a high scaffold under the ceiling.                                                                                      Let us not forget: the real carnival is not a pleasure for its own sake, but a struggle of the temporal with the eternal, of life with the impermanence. It recalls the questions to which man never finds an answer. He hides this lack of an answer with dance and plebeian spectacle.
Due to the coincidence of fate, the Corona pandemic broke out this year just during Carnival on the threshold of Lent.
Gero Hellmuth reaches far into the historical and cultural contexts of the present. In the “Job” cycles, he visualizes centuries-old problems and archetypes with strictly artistic means - color, construction of the room, depth of space, choice of materials.
From his work one can read the conviction that modern man is immersed in the eon-old fate of the world. This is precisely why he builds bridges between history, our present time and the future.

The individuality of suffering. The space between the questions

This is probably why the book of Job is so important to him - this drama of suffering and hope that theologians, philosophers and artists keep busy. In our culture, Job's doubts are reflected in the experiences of every individual, because ultimately suffering is always individual. It can only be surmised that the lot of man also reflects the experience of God, who created us in his image and likeness (Gen. 1:26).
Suffering results from the nature of life itself - from the pain of birth to that of death. If a person revolts against it, as he has done since ancient times, he must accept such suffering, despite the medical palliativa, which he uses as a relief. When asked about the reason for this suffering, there is no answer.
But there is also the suffering that man inflicts on man, presumptuously to decide about the pain and death of others. The years of the Second World War were full of such pain. When we think of them, Job's questions return to us. As Christ said on the cross: "My God, my God, why did you leave me?" (Mt 27:46; Mk 15:34)
Some interpreters of Job's story believe that his suffering made him nobler. At the end of his life, the Krakow priest and philosopher Prof. Józef Tischner, referring to the book of Job, uttered his famous dictum: “Suffering does not ennoble.” In his treatises on Job, the ethicist Prof. Tadeusz Gadacz writes that suffering does not express itself Guilt arises. So what then?

Let us also use the opinion of a Jesuit, Prof. Friedhelm Mennekes, who, in his commentary on Gero Hellmuth's two “job” cycles, “helps to ask questions without formulating them” and the meaning of such questions “is there often ... especially in the rooms of silence and in the moments between questions ".
This is certainly true as far as we are concerned with the theology of suffering. It does not mean, however, that here on earth we may spare questions to those who caused suffering or spread a space of silence about them.

Man to man

Gero Hellmuth touches on the most painful problems in human history. His work includes the “Auschwitz” cycle, inspired by a documentary film that shows the inmates of a camp on the day of their liberation. On the arm of one of them the artist saw the tattooed number 19 ... This number became the symbol of the twentieth century.
Part of the "Auschwitz cycle" is the triptych "Auschwitz/Liberation 1945”, which is modeled on the cross in its formal design. At the exhibition in Berlin it was placed on the altar in the well-known St. Matthäus-Kirche. It was created to commemorate the 50th anniversary of the liberation of Auschwitz and the end of the war. For Gero Hellmuth, the anniversaries of these events are stations on a spiritual pilgrimage.
Placing the triptych on the altar is a symbolic identification of the victims of Auschwitz with the crucifixion story of Christ. The people who decided there about the suffering and death of others acted in the presumption of divine power.
The left wing of the triptych symbolizes the annihilation, the middle the cross tree, and the right side - of course - the new life. The triptych thus spans the transition from the darkness of war to the light of the future.
The Jewish composer Joseph Dorfman wrote a cantata for "Auschwitz" with the title "... that they live". For this work, he selected fragments from the book of Job and from the work "The Song of the Exterminated Jewish People" by Jitzhak Katzenelsons, a hero of the Warsaw ghetto who was murdered with his son in Auschwitz. His wife and two younger sons perished in Treblinka.
Many people have asked and are still asking the question: Why did God allow Auschwitz? Why did he allow the crucifixion to occur? In a way, the Polish writer Zofia Narkowska gave the answer in 1946 when she set the motto in a volume with stories about the time of the occupation: "Man has prepared this lot for man".
The questions about the crucifixion, about Auschwitz, are questions about the nature of man, what is that something in us that enables us to destroy others.

Knock on the door

The prologue to the exhibition is formed by the sculpture "The Find", a metal door knocker, salvaged from the door of a house that had lost its inhabitants during the war. Every day, the knocker serves the purpose of making it audible to anyone who wants to enter the house. On the other hand, another person is needed who is ready to open the door. If there is trust between the people on both sides of the door, it will be opened. In 1945 the door between Poland and Germans was slammed. It's been different again for many years. It doesn't always have to be that way.
In 2015 Gero Hellmuth wrote: “The knocker indicates the inestimable value of trust that (…), despite an unfortunate past, has grown between our peoples over the past seventy years. Many times it started with someone knocking on another door. ”
This trust has to be renewed in many ways, if only so that future generations can check it for themselves. It would be a mistake, however, to believe that its durability could be determined by decree. There has to be a knock on both sides of the door. One thing is obvious: Poles and Germans know too little about each other. This is exactly why initiatives like “Job” by Gero Hellmuth are so valuable.

They are all the more indispensable as new generations grow into active public life. The Second World War inevitably moves further away in time. That is good and natural, but also threatening in the sense that we have not yet succeeded in building effective protective mechanisms against the war. In the meantime, the world that we are handing over to future generations is violently changing, striking with climate destruction, droughts, dramatic migration, fundamentalism, wars in many countries around the world, with the suffering of children, xenophobia, populism, nationalism and radicalism, with Pandemic of a new illness. So the book of Job remains a completely contemporary drama.

The fear of the children

Gero Hellmuth added a shocking cycle to the exhibition that was shown in Szczecin: “Children. Victim of the war between the borders ”. In the catalog he wrote: “These children's eyes (…) ask silent, haunting questions: What have we done to you? What drives you to rob us of peace, the feeling of security, love, the arms of our parents around us ... ”Last year the artist in Hilzingen showed the cycle“ Cry of the war children ”, which under the impression of the influx of one Wave of refugees to Europe emerged.
Let us remember: in 1945 Gero Hellmuth was five years old. He had to flee his parents' house. Like the children of all wars, he got to know childlike, this most terrible fear.
Detlef Kappeler, who was almost the same age, was born in Stettin in 1938 and fled the house with his family, just in front of the front. The ruined city was burning, fighter pilots attacked the fleeing. Many years later he painted the large format picture "Szczecin - Thoughts". In the middle of the picture he placed a slit, bleeding column reminiscent of the cross wood covered with blood.

The entangled man

One has to speak in silence with Gero Hellmuth's reliefs and paintings. Their language is the symbolism of the simple line that calls up historical time in the horizontal space and the world of values ​​in the vertical space. We live in the place where both lines intersect: the tragedy of life has been abandoned to us. After all, what we can do is not to multiply them further: by creating connections between us instead of trenches. The arch in the artist's works symbolizes the idea of ​​a bridge across time, borders and fears, similar to Bernhard Heiliger's “Great Arch”, the sculpture by this born Szczecin, which is set up in this very city. The reliefs characterize the violent struggle between the permanent, the iron and the fleeting and weak, between what is on the surface and what is deep. These reliefs relate to deep layers of our culture and our psyche, where doubts and hope collide, the unconscious with the conscious, and suffering as an immanent feature of our existence (or the divine will) with the suffering that is caused by ourselves.
The reliefs, the paintings and the quotations from the book of Job create a dynamic narrative of our fate, which from the very beginning was torn between destruction and reconstruction..

The silhouette of man is inscribed in the pictures, entangled in white and black, in shades of gray, in ambiguity of the awakening red.

The perspective of light

Gero Hellmuth's “Job” is a metaphorical tale of falling and getting up. After the Second World War, humanity laboriously rose again. Europeans have started to build a new house on the foundations of agreement, reconciliation, dialogue, compromise, solidarity, belief in the good in people and in their creative power. Although this produces impressive results, the forces of destruction are strengthening again in our day. The fading memory of the war plays into their hands. Fears about the future are increasing. The corona pandemic makes this even clearer.

Gero Hellmuth sees creation as a work “against oblivion”. In his essay "Crossing Borders", Hans Gercke wrote that the starting point for art is "empathetic pity for the suffering of others" and "the confidence that there must be a perspective of light and hope in all of this (...)"
Such a perspective lies in the joint ventures of Polish and German artists. They open doors.

Bogdan Twardochleb

Bogdan Twardochleb, Otwieranie dzwi, 2020

Otwieranie drzwi

(o sztuce Gero Hellmutha)

Wystawa „Hiob” Gero Hellmutha była kilkakrotnie pokazywana w Niemczech. Dwa lata temu po raz pierwszy znalazła się w Polsce, w Szczecinie, w nowym gmachu filharmonii, stojącej w miejscu filharmonii niemieckiej, której ruiny rozebrano po wojnie. Wystawie towarzyszył cykl obrazów „Dzieci wojny”.

Muzeum Drugiej Wojny Światowej jest drugim miejscem w Polsce, gdzie tę wystawę można zobaczyć. Powstała w wyniku polsko-niemieckiego projektu, który pod tytułem „… dass man mit ihnen redet” został zainaugurowany przez Gero Hellmutha w Stowarzyszeniu Parlamentarnym w Berlinie w 2015 roku, w 70. rocznicę zakończenia wojny. W Gdańsku, gdzie wojna się zaczęła, towarzyszy wydarzeniom upamiętniającym 75. rocznicę jej zakończenia.

Z wystawą „Hiob” łączy się muzyka Michała Dobrzyńskiego oraz improwizacje skrzypcowe Ewy Gruszki-Dobrzyńskiej. Gero Hellmuth, który w tym roku skończył 80 lat, jest od nich starszy o lat czterdzieści. Ideę współpracy, którą zaproponował, określił mottem: „Zbliżyć się ku sobie”.

Ucieczka i akademia

Gero Hellmuth mieszka w niewielkim mieście Singen (Badenia-Wirtembergia) blisko granicy niemiecko-szwajcarskiej. Pochodzi z krainy odległej, z północy Niemiec, z książęcego miasta Neustrelitz w Meklemburgii.

Gdy na początku 1945 roku miał pięć lat, musiał uciekać z rodzinnego domu i miasta. Wojna mściła się na państwie, które ją zaczęło i prowadziło z nieznanym wcześniej okrucieństwem. Gdy się kończyła, jego obywatele płacili zbiorowe rachunki krzywd niezależnie od win. Ich winą było już to, że są Niemcami. Ludzie odpłacali ludziom za lata poniżeń i śmierci. Państwa fortyfikowały granice, ryglowano drzwi. Sąsiad bał się sąsiada.

Po ucieczce z Neustrelitz Gero Hellmuth mieszkał w Eckernförde nad Bałtykiem. Maturę zdawał w Stuttgarcie, a od 1971 roku mieszka w Siengen. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych w Karlsruhe, uczelni bardzo ważnej dla kreowania powojennego życia artystycznego w Niemczech. Ukończył też filozofię i wiedzę o sztuce.

Wśród jego profesorów był Klaus Arnold, malarz i rzeźbiarz, ekspresjonista, współtwórca nowej figuracji w malarstwie, miłośnik muzyki, wierzący już w latach 50. w nadchodzącą jedność Europy. W kościele św. Filipa w Mannheim są dwa jego reliefy z cytatami z Ewangelii św. Jana. Na zewnątrz, przy wejściu, znajduje się pierwszy: „Mówi Filip: „Panie, pokaż nam Ojca” (J 14, 8), drugi jest wewnątrz, przy ołtarzu: „Kto mnie widzi, widzi Ojca” (J 14, 9). W pierwszym wyczuwa się zwątpienie, w drugim – nadzieję.

Oba te uczucia zmagają się ze sobą również w losie Hioba – metaforze losu człowieka.

Nauczycielem Gero Hellmutha był również malarz i rzeźbiarz Peter Dreher, neorealista. Wiele jego prac charakteryzuje czułość do drobnych rzeczy i istnień. Tworzył niewielkie obrazy – olejne portrety różnie oświetlonej szklanki. Namalował ich dziesiątki. Malował pejzaże, kolorowe kwiaty i czarno-białe wizerunki czaszek, przypominające milczące obrazy zbiorowych mogił. Jest autorem wielkoformatowych kompozycji figuralnych i reliefów w kościołach. Sztukę wiązał z moralnością, życiem społecznym, polityką.

Zanurzeni w losie świata

W pracach Gero Hellmutha widać wspólnotę z jego akademią. Krytycy zauważają też powinowactwa z artystami XX-wiecznej awangardy, takimi jak K. R. H. Sonderborg i jego ekspresyjna abstrakcja, czy Karl Fred Dahmen i jego obrazy, komponowane z drewna i metalu. Dla obu niezmiernie ważne było doświadczenie wojny jako totalnej destrukcji i dźwigania się z niej. Podobnie można mówić o twórczości Anselma Kiefera, Detlefa Kappelera, czy Günthera Ueckera, tegorocznego dziewięćdziesięciolatka. Zapowiedziano, że jego „Księgę Hioba” będzie można niebawem zobaczyć w Szczecinie.

Twórczość Gero Hellmutha mocno wiąże się ze społeczną i polityczną codziennością, co przecież charakteryzuje sztukę ostatnich kilkudziesięciu lat. Artyści współkreują życie społeczne i polityczne, nasycając przestrzeń publiczną wrażliwością symbolicznych działań i znaczeń.

Gero Hellmuth jest autorem rzeźb przestrzennych, wśród nich symbolicznego „Krzyża bezrobotnych”, stawianego – gdy trzeba – przed firmami, których pracownikom grozi bezrobocie. W jego najnowszych pracach ma odzwierciedlenie współczesny dramat uchodźców.

Artysta od wielu lat współpracuje ze stowarzyszeniem karnawałowym w Singen. Na coroczny karnawał przygotowuje tam oryginalne portrety, murale, karykatury, freski na ścianach i sufitach sal, które wykonuje z pietyzmem, żywiołowe, ale też melancholijne. Pewnego roku przez dziewięć tygodni malował freski na sklepieniu jednego z gmachów, leżąc – jak renesansowy mistrz – pod sufitem na wysokim rusztowaniu.

Nie zapominajmy: prawdziwy karnawał nie jest zabawą dla zabawy, lecz walką doczesności z wiecznością, życia z przemijaniem. Przypomina o pytaniach, na które człowiek nigdy nie znajdzie odpowiedzi. Brak odpowiedzi zasłania tańcem i plebejskim spektaklem.

Zrządzeniem losu pandemia koronawirusa zaatakowała w tym roku Europę na pograniczu karnawału i Wielkiego Postu.

Gero Hellmuth głęboko sięga w historyczne i kulturowe konteksty współczesności. W cyklach „Hiob” środkami stricte artystycznymi – kolorem, konstrukcją przestrzeni, jej głębią, doborem materiałów – aktualizuje odwieczne problemy i archetypy. W jego twórczości można wyczytać przekonanie o zanurzeniu współczesnego człowieka w odwiecznym losie świata. Tym samym buduje mosty między historią, a współczesnością i przyszłością.

Indywidualność cierpienia. Przestrzenie między pytaniami

Wydaje się, że dlatego tak ważna jest dlań Księga Hioba – dramat o cierpieniu i nadziei, niezmiennie inspirujący i niepokojący teologów, filozofów, artystów. Wątpliwości Hioba są w naszej kulturze doświadczeniem każdego człowieka osobno, bo cierpienie jest ostatecznie zawsze indywidualne. Można tylko przypuszczać, że los człowieka jest też doświadczeniem Boga, który stworzył nas na swój obraz i podobieństwo (Księga Genezis 1, 26).

Cierpienie wynika z natury życia – od bólu narodzin po ból śmierci. Człowiek może się przeciw temu buntować, co robi od wieków, lecz takie cierpienie musi przyjąć, nawet jeśli stosuje medyczne paliatywy ulgi. Gdy zapyta o przyczyny takiego cierpienia, nie otrzyma odpowiedzi.

Ale jest też cierpienie, które człowiek wyrządza drugiemu człowiekowi, decydując o jego bólu i śmierci. Nabrzmiałe od bólu były lata drugiej wojny światowej. Gdy myśli się o nich, wracają pytania Hioba. Podobnie pytał Chrystus na krzyżu: „Boże mój, Boże mój, czemuś mnie opuścił?” (Mt, 27, 46; Mk 15, 34).

Niektórzy interpretatorzy losu Hioba twierdzą, że cierpienie go uszlachetniło. Krakowski prezbiter i filozof ks. prof. Józef Tischner, nawiązując do Księgi Hioba, wypowiedział pod koniec swego życia słynne zdanie: „Cierpienie nie uszlachetnia”. Etyk prof. Tadeusz Gadacz w swoich rozprawach o Hiobie pisze, że cierpienie nie wynika z winy. Czym więc jest?

Przywołajmy jeszcze opinię jezuity, prof. Friedhelma Mennekesa, który w komentarzu do obu cyklów „Hiob” Gero Hellmutha napisał, że pomagają „stawiać pytania, nie formułując ich”, a sens takich pytań „polega często (…) na samych przestrzeniach milczenia i chwilach między pytaniami”.

To prawda, jeśli mamy na myśli teologię cierpienia. Nie znaczy to jednak, żeby tu, na ziemi, nie stawiać pytań sprawcom cierpień i rozciągać nad nimi przestrzeń milczenia.

Człowiek człowiekowi

Gero Hellmuth sięga po najbardziej bolesne problemy historii człowieka. Wśród jego prac jest cykl „Auschwitz”, inspirowany filmem dokumentalnym, pokazującym więźniów obozu w dniu jego wyzwolenia. Na ręce jednego z nich artysta zobaczył wytatuowany numer 19… Uznał go za symbol XX wieku.

Częścią cyklu „Auschwitz” jest tryptyk „Auschwitz – Uwolnienie 1945”, przypominający krzyż. Podczas wystawy w Berlinie ustawiono go na ołtarzu w znanym kościele św. Mateusza. Powstał dla upamiętnienia 50. rocznicy wyzwolenia więźniów Auschwitz i końca wojny. Rocznice tych wydarzeń są dla Gero Hellmutha etapami duchowej pielgrzymki.

Umieszczenie tryptyku na ołtarzu to symboliczne utożsamienie ofiar Auschwitz z ukrzyżowaniem Chrystusa. Ludzie, którzy decydowali tam o cierpieniu i śmierci innych, przywłaszczyli sobie prawo Boskie.

Lewa część tryptyku symbolicznie przedstawia zagładę, centrum to drzewce krzyża, a strona prawa, jasna, to nowe życie. Tryptyk opisuje przejście od mroków wojny do światła przyszłości.

Żydowski kompozytor Joseph Dorfman napisał do „Auschwitz” kantatę „…das sie leben”. Wybrał do niej fragmenty Księgi Hioba i „Pieśni o zamordowanym narodzie żydowskim” Itzhaka Katzenelsona, bohatera warszawskiego getta, który razem z synem został zamordowany w Auschwitz. Jego żona i dwaj młodsi synowie zginęli w Treblince.

Wielu ludzi pytało i pyta, dlaczego Bóg pozwolił na Auschwitz? Dlaczego pozwolił na ukrzyżowanie? W jakimś sensie odpowiedziała na to w 1946 roku polska pisarka Zofia Nałkowska, opatrując tom opowiadań okupacyjnych „Medaliony” mottem: „Człowiek człowiekowi zgotował ten los”.

Pytania o ukrzyżowanie i Auschwitz są pytaniami o naturę człowieka, o to, co takiego jest w nas, ludziach, że potrafimy niszczyć innych ludzi.

Pukać do drzwi

Prologiem do wystawy w Gdańsku jest niewielka rzeźba „Znalezisko” – metalowa kołatka, ocalona z drzwi domu, który podczas wojny utracił swych mieszkańców. Na co dzień kołatka służy do tego, aby ktoś, kto chce wejść do domu, mógł zapukać do drzwi. Po drugiej ich stronie musi być ktoś, kto zechce te drzwi otworzyć. Jeśli ludzie z obu stron drzwi sobie ufają, zostaną otwarte. W 1945 roku drzwi między Polakami a Niemcami zamknięto. Od wielu lat jest inaczej. Tak nie musi być zawsze.

W 2015 roku Gero Hellmuth pisał: „Kołatka wskazuje na niezwykłą wartość zaufania, jakie pomimo (…) nieszczęsnej przeszłości zrodziło się między naszymi narodami w ciągu ostatniego siedemdziesięciolecia. Częstokroć zaczynało się od tego, że ktoś pukał do czyjegoś domu”.

Zaufanie trzeba w różny sposób odnawiać, choćby dlatego, że weryfikują je nowe pokolenia. Pomyłką byłoby wierzyć w jego zadekretowaną trwałość. Do drzwi trzeba pukać z obu stron. Jeden z argumentów jest oczywisty: Polacy i Niemcy za mało o sobie wiedzą. Dlatego bezcenne są takie inicjatywy jak „Hiob” Gero Hellmutha.

Są tym bardziej niezbędne, że w aktywne życie społeczne włączają się nowe pokolenia. Druga wojna światowa nieuchronnie się od nich oddala. To jest dobre i naturalne, ale też groźne w tym sensie, że przeciw wojnie nie zdołaliśmy jeszcze stworzyć skutecznych blokad. Tymczasem świat, jaki przekazujemy nowym pokoleniom, gwałtownie się reorganizuje, atakuje zniszczeniem klimatu, suszą, dramatyczną wędrówką ludów, fundamentalizmem, wojnami w wielu innych krajach, cierpieniem dzieci, ksenofobią, populizmem, nacjonalizmami i radykalizmem, pandemią nowej choroby. Księga Hioba jest dramatem niezmiennie współczesnym.

Strach dzieci

Do wystawy, która była prezentowana w Szczecinie, Gero Hellmuth włączył wstrząsający cykl obrazów „Dzieci. Ofiary wojny między granicami”. W katalogu pisał: „Dziecięce oczy (…) stawiają nieme, przeszywające pytania: Co myśmy wam zrobiły? Co skłania was do tego, by zabierać nam pokój, poczucie bezpieczeństwa, miłość, otaczające nas ramiona rodziców…”. W ubiegłym roku w Hitzingen artysta pokazał cykl „Krzyk dzieci”, który powstał pod wpływem napływu fali uchodźców do Europy.

Przypomnijmy: w 1945 roku Gero Hellmuth miał pięć lat. Musiał uciekać z rodzinnego domu. Jak wszystkie dzieci wszystkich wojen poznał dziecięcy, najbardziej bolesny strach.

Jego niemal rówieśnik, Detlef Kappeler, urodzony w Szczecinie w 1938 roku, uciekał z rodziną z domu tuż przed frontem. Zrujnowane miasto płonęło, myśliwce atakowały uciekinierów. Wiele lat potem namalował dużych rozmiarów obraz „Myśli o Szczecinie”. W jego centrum jest rozpruty, krwawiący słup, przypominający broczące drzewo krzyża.

Człowiek uwikłany

Z reliefami i obrazami Gero Hellmutha trzeba rozmawiać w milczeniu. Ich mową jest symbolika linii prostej, przywołującej – w przestrzeni horyzontalnej – czas historii, a wertykalnej – świat wartości. Żyjemy na ich skrzyżowaniu – tragizm życia jest nam zadany. Możemy go jednak nie pomnażać, tworząc między nami połączenia, a nie zasieki. Łuk w pracach artysty może symbolizować ideę mostu ponad czasem, granicami i lękiem, jak „Łuk” Bernharda Heiligera, rzeźba rodzonego szczecinianina, która stoi w Szczecinie. W reliefach znaczące jest zmaganie się tego co trwałe, żelazne, z tym co nietrwałe, tego, co jest słabe – z przemocą, a tego co znajduje się na powierzchni, z tym co jest w głębi. Reliefy odwołują się do głębokich pokładów naszej kultury i psychiki, gdzie zwątpienie ściera się z nadzieją, podświadomość ze świadomością, historia z codziennością, a cierpienie, będące immanentną cechą egzystencji (resp. wolą Boga), z cierpieniem powodowanym przez nas samych.

Reliefy, obrazy i cytaty z Księgi Hioba tworzą dynamiczną opowieść o naszym losie, od zarania rozpiętym między destrukcją a rekonstrukcją. W obrazy wpisana jest sylwetka człowieka, uwikłanego w biel i czerń, odcienie szarości, wieloznaczność budzącej się czerwieni.

Perspektywa światła

„Hiob” Gero Hellmutha to zmetaforyzowana opowieść o upadku człowieka i dźwiganiu się z upadku. Po drugiej wojnie światowej ludzkość z trudem się z niego dźwigała. Europejczycy zaczęli budować nowy dom na fundamentach zgody, pojednania, dialogu, kompromisu, solidarności, współpracy, wzajemnej odpowiedzialności, wiary w dobro i twórczą moc człowieka. Choć przynosi to dobre rezultaty, to jednak dziś narastają siły destrukcji. Sprzyja im niepamięć o wojnie. Kumulują się lęki o przyszłość. Uwydatniła je pandemia koronawirusa.

Gero Hellmuth mówi, że jego prace są „przeciw zapomnieniu”. W szkicu „Przekraczanie granic” Hans Gercke pisał, że punktem wyjścia dla jego sztuki jest „empatyczne cierpienie wobec cierpienia innych” oraz „ufność, że w tym wszystkim musi być (…) perspektywa światła i nadziei”.

Taka perspektywa jest we wspólnych przedsięwzięciach artystów polskich i niemieckich. One otwierają drzwi.

November 2020

Ausstellung in Freiburg 

"Schrei der Kriegskinder"


Schrei der Kriegskinder, 2020, Acryl auf Leinwand auf Holz, 150 x 150 cm







 Schrei-II, 2019 - aus dem Zyklus 'Schrei der Kriegskinder', 2016 - 2020


Diese Ausstellung ist eine Weiterführung der Ausstellung vom Mai 2019 in Baden-Baden


Der Zyklus „Schrei der Kriegskinder“ ist eine Botschaft, die an das Leid der Menschen gemahnt, die auf der Flucht vor unsagbaren Kriegsereignissen sind. Die Bilder stellen sich dem aktuellen Flüchtlingsproblem und fokussieren besonders das Schicksal der betroffenen Kinder, die hilflos und wehrlos dem grausamen Kriegsgeschehen ausgeliefert sind.

Die Bezeichnung „Kriegskinder“ verflacht allzu leicht durch die zahlreichen Medienberichte zu einem abstrakten, distanzierenden Begriff. Doch jedes Kind erlebt sein Einzelschicksal, das oftmals durch eine lebenslange Traumatisierung geprägt ist, die von den schrecklichen Kriegserlebnissen sowie der erschütternden Flucht vor dem Krieg herrührt. Der Gemälde-Zyklus spiegelt die tiefe Not der Kinderseelen wider, will aber dennoch jenen Funken der Hoffnung bewahren, aus dem eine bessere Zukunft erwachsen kann. So ist die Ausstellung auch ein Aufruf, nicht wegzuschauen, sondern Verantwortung zu übernehmen, in Politik und Gesellschaft gleichermaßen.


Ausstellung vom 3. November bis 23. Dezember 2020

Eröffnung: Montag, 2. November 2020, 18.00 Uhr in der Katholischen Akademie Freiburg, Teilnahme an der Vernissage nur nach Voranmeldung möglich.

Einführung: Prof. Hans Gercke (ehem. Direktor des Kunstvereins Heidelberg)

Musik: Freiburger Domsingknaben (Leitung: Prof. Boris Böhmann)

Referat: Di. 17.November 2020, 19:00 - 21:00 Uhr, Ute Deseniss-Gros (langjährige ehemalige UNICEF-Mitarbeiterin und Länderbeauftragte, UNICEF AK Lörrach) wird über die Gründung und Arbeit dieser weltweiten Organisation referieren. Wie finanziert sie sich, welches Mandat hat sie und warum ist es immer wieder so wichtig, auf die Rechte von Kindern hinzuweisen?

Teilnahme an dieser Veranstaltung nur nach Voranmeldung möglich.

Leitung: Dr..Mareike Hartmann, Studienleiterin

Öffnungszeiten: Montag bis Freitag von 8:30 bis 18:15 Uhr und während der Veranstaltungen der Akademie 

Winterstr. 1 - 79104 Freiburg, Tel. 0761 31918-0 - Fax 0761 31918-111

E-Mail: Diese E-Mail-Adresse ist vor Spambots geschützt! Zur Anzeige muss JavaScript eingeschaltet sein!






8.Mai 2020

Ausstellung in Danzig/Gdańsk, Polen



Schrei der Kriegskinder, 2020, Acryl auf Leinwand auf Holz, 150 x 150 cm







Katalog zur Ausstellung "HIOB"


Ein deutsch-polnisches Kulturprojekt zum 75. Jahrestag des Kriegsendes 1945


Deutschland und Polen verbindet eine mehr als 1000-jährige Geschichte, die von vielen Gemeinsamkeiten, aber auch von vielen Höhen und Tiefen geprägt ist. Dass unser Verhältnis heute, 75 Jahre nach Ende des Zweiten Weltkriegs, dank vieler gemeinsamer Gespräche und Projekte wieder gut und freundschaftlich ist, ist aber noch lange keine Selbstverständlichkeit. Wie fragil der Frieden sein kann, sehen wir an vielen Krisenherden auf dieser Erde. Auch gute Freundschaften müssen gepflegt werden. Wir müssen die deutsch-polnische Freundschaft immer wieder neu mit Leben füllen, denn sie ist ein zentraler Stützpfeiler für ein starkes Haus Europa.

Eröffnung der Ausstellung: 8. Mai 2020, xx Uhr, im Museum des 2. Weltkriegs, Danzig - Muzeum II Wojny Światowej, Gdańsk

Die Ausstellung kann bis zum 12. Juli 2020 besucht werden.


Aufgrund der aktuellen Situation wurde der Eröffnungstermin bis auf weiteres verschoben

Ze względu na obecną sytuację termin otwarcia został przesunięty do odwołania

Due to the current situation, the opening date has been postponed until further notice

Text in Arbeit





Mai 2019

Ausstellung in Baden-Baden

"Kinder, Opfer zwischen den Grenzen"


Kriegskinder Portrait III







  Portrait III - aus dem Zyklus "Schrei der Kriegskinder", 2019


Der Zyklus „Schrei der Kriegskinder“ ist eine Botschaft, die an das Leid der Menschen gemahnt, die auf der Flucht vor unsagbaren Kriegsereignissen sind. Die Bilder stellen sich dem aktuellen Flüchtlingsproblemund fokussieren besonders das Schicksal der betroffenen Kinder, die hilflos und wehrlos dem grausamen Kriegsgeschehen ausgeliefert sind.

Die Bezeichnung „Kriegskinder“ verflacht allzu leicht durch die zahlreichen Medienberichte zu einem abstrakten, distanzierenden Begriff. Doch jedes Kind erlebt sein Einzelschicksal, das oftmals durch eine lebenslange Traumatisierung geprägt ist, die von den schrecklichen Kriegserlebnissen sowie der erschütternden Flucht vor dem Krieg herrührt. Der Gemälde-Zyklus spiegelt die tiefe Not der Kinderseelen wider, will aber dennoch jenen Funken der Hoffnung bewahren, aus dem eine bessere Zukunft erwachsen kann. So ist die Ausstellung auch ein Aufruf, nicht wegzuschauen, sondern Verantwortung zu übernehmen, in Politik und Gesellschaft gleichermaßen.

Eröffnung der Ausstellung: 10. Mai 2019, 19 Uhr im Alten Dampfbad, Baden-Baden (am Marktplatz unmittelbar neben der Stiftskirche)

Die Laudatio hält Prof. Hans Gercke, Heidelberg

Die Ausstellung kann bis zum  2. Juni 2019 besucht werden. 

Öffnungszeiten:  Di – Fr: 15:00 – 18:00 Uhr, Sa, So: 11:00 – 17:00 Uhr

Es erscheint ein Katalog

Das Projekt wird begleitet von folgenden Veranstaltungen:

So. 19. Mai 16 Uhr und 19 Uhr im Alten Dampfbad:

Szenische Lesung: Texte Geflüchteter mit Nadine Keller und Ronald Spiess.

Klanginstallation von Rike Scheffler, Baldreit-Stipendiatin.

Eintritt frei

Di. 21. Mai 19 Uhr in der Stiftskirche:

Referat über die Arbeit in der Hilfsorganisation UNICEF: Ute Deseniss-Gros.

Improvisationen  zu Bildern von Gero Hellmuth, Ewa Gruszka-Dobrzyńska (Polen), Violine

Michał Dobrzyński (Polen) - "Epitafium" für Violine Solo (2019), Uraufführung, gewidmet den Kriegskindern.

Eintritt frei

Di. 28. Mai 19:30 Uhr im Alten Dampfbad:

"Mitleid. Die Geschichte des Maschinengewehrs", Doppelmonolog von Milo Rau, Gastspiel des Landestheaters Württemberg-Hohenzollern Tübingen Reutlingen. Im Rahmen der 24. Baden-Württembergischen Theatertage.

Karten an der Vorverkaufsstelle des Theaters Baden-Baden und an der Abendkasse






März 2018

Ausstellung in Stettin/Szczecin, Polen

Projekt "HIOB"


Katalog - gero hellmuth - HIOB,Singen 2017







Ausstellungs-Katalog HIOB, Stettin 2018


HIOB - ein deutsch-polnisches Kultur-Projekt

Als sich im  Oktober 2015 das Ende des 2. Weltkrieges zum 70. Mal jährte, wurde in der Parlamentarischen Gesellschaft des Deutschen Bundestages das deutsch-polnische Kulturprojekt von Gero Hellmuth ins Leben gerufen. Nach weiteren Stationen in Singen und Saarbrücken wird im März 2018 in der neuen Stettiner Philharmonie/Filharmonia Szczecin Gero Hellmuths seit 1990 entstandener Hiob-Zyklus (Gemälde, Assemblagen, Zeichnungen) im Zentrum einer Ausstellung stehen.

Im Rahmen der Vernissage werden zwei Streichquartette des polnischen Komponisten Michał Dobrzyński, dessen Kammermusikwerk "Hiob" für Violine, Klavier und Live-Elektronik zu Hellmuths Hiob-Zyklus 2017 in Saarbrücken uraufgeführt wurde, zur Aufführung kommen.

Anschließend wird die polnische Geigerin Ewa Gruszka über von ihr ausgewählte Gemälde aus dem Hiob-Zyklus improvisieren.

Die Laudatio hält Prof. Hans Gercke, Heidelberg

Eröffnung der Ausstellung: 14. März 2018, 18 Uhr in der Philharmonie Stettin/Filharmonia Szczecin

Die Ausstellung kann bis zum 8. April 2018 besucht werden.

Mieczysław-Karłowicz-Philharmonie Szczecin/Stettin
ul. Małopolska 48, 70-515 Szczecin, Galerie Poziom 4
Öffnungszeiten: Mittwoch 13 – 18 Uhr, Sonntag 12 – 16 Uhr
Tickets (3 ) an der Kasse der Philharmonie erhältlich.   
Tel. +48 91 431 07 20, Infos +48 539 94 94 54

Das Streichquartett der Stettiner Philharmonie - Karlowicz String Quartet - spielt zur Eröffnung der Ausstellung Hiob in der Philharmonie Stettin, 2018. Komponist: Michal Dobrzynski






Oktober 2017

Ausstellung in Hilzingen

"Kinder. Opfer zwischen den Grenzen"



Katalog - gero hellmuth - Kinder. Opfer zwischen den Grenzen







Katalog, Kinder. Opfer zwischen den Grenzen


Der seit 2016 entstandene Gemäldezyklus Schrei der Kriegskinder bildet den Schwerpunkt der Ausstellung. Die Werkfolge entstand - und wird aktuell erweitert - unter dem aktuellen Eindruck des Zustroms von Flüchtlingen nach Europa. Im Fokus der Gemälde stehen das Erleben, das Leid der betroffenen Kinder. Als Ergänzung zu diesem Thema werden erstmals die 1990 entstandenen Zeichnungen und Notate zu den beiden Hiob-Zyklen (Acryl-Gemälde, 1991 und Eisenreliefs, 1996) gezeigt.

Eröffnung der Ausstellung: 15. Oktober 2017, 10:30 Uhr im August-Dietrich-Saal, 78247 Hilzingen                                                      

Die Laudatio hält Peter Renz, Schrifteller, Waldburg

Die Ausstellung kann bis zum 22. Oktober 2017 besucht werden.















Bogdan Twardochleb, Türen öffnen, 2020

Türen öffnen

(Über die Kunst Gero Hellmuths)

Gero Hellmuths Ausstellung „Hiob“ ist in Deutschland bereits mehrfach gezeigt worden. Vor zwei Jahren sah man sie zum ersten Mal auf polnischem Boden, im Neubau der Stettiner Philharmonie, an eben der Stelle, wo zuvor die nach dem Krieg abgerissene Deutsche Philharmonie gestanden hatte. Begleitet wurde die Ausstellung von dem Bilderzyklus „Kriegskinder“.

Das Museum des Zweiten Weltkrieges ist nun der zweite Ort in Polen, wo diese Ausstellung zu sehen ist. Sie entstand aus einem polnisch-deutschen Projekt, das 2015 zum 70. Jahrestag des Kriegsendes von Gero Hellmuth unter dem Titel „… dass man mit ihnen redet“ in der Deutschen Parlamentarischen Gesellschaft in Berlin eröffnet worden war. In Danzig, dem Ort, von dem der Krieg seinen Ausgang nahm, begleitet es nun das Gedenken an dessen Ende vor 75 Jahren.

Zu der „Hiob“-Ausstellung gesellen sich die Musik Michał Dobrzyńskis und die Geigenimprovisationen Ewa Gruszka-Dobrzyńskas hinzu. Gero Hellmuth, der in diesem Jahr seinen 80. Geburtstag gefeiert hat, zählt vierzig Jahre mehr als die beiden. Seine Idee einer Zusammenarbeit umriß er mit dem Motto: „Aufeinander zugehen.“

Flucht und Akademie

Gero Hellmuth lebt in der kleinen Stadt Singen (Baden-Württemberg) nahe der deutsch-schweizerischen Grenze. Er stammt aus dem Norden Deutschlands, der Fürstenstadt Neustrelitz in Mecklenburg.

Bei Kriegsende fünfjährig, war er gezwungen, aus Elternhaus und -stadt zu fliehen. Der Krieg nahm Rache an dem Staat, der ihn entfacht hatte und führte zu einer damals ungekannten Grausamkeit. Als er zu Ende ging, zahlten die Einwohner dieses Staates kollektiv die Rechnung, unabhängig von ihrer individuellen Schuld. Ihre ganze Schuld bestand darin, Deutsche zu sein. Menschen zahlten Menschen Jahre von Erniedrigung und Tod heim. Staaten schotteten ihre Grenzen ab, Türen wurden verriegelt. Nachbarn wurden einander zur Bedrohung.

Nach seiner Flucht aus Neustrelitz ließ sich Gero Hellmuth in Eckernförde an der Ostsee nieder. Das Abitur legte er in Stuttgart ab, und seit 1971 wohnt er in Singen. Er studierte an der Akademie der Bildenden Künste in Karlsruhe, einer Ausbildungsstätte, die in der Entwicklung des künstlerischen Lebens in Deutschland der Nachkriegszeit eine bedeutende Rolle spielte. Dort machte er seinen Abschluß, zusätzlich in Philosophie und Kunstgeschichte.

Zu seinen Professoren zählte Klaus Arnold, ein Maler und Bildhauer, Expressionist, Mitbegründer der neuen Gegenständlichkeit in der Malerei, Musikliebhaber, ein Mann, der bereits in den 50-er Jahren von der kommenden Einheit Europas überzeugt war. In der Mannheimer Philippuskirche finden sich zwei Reliefs aus seiner Hand, versehen mit Zitaten aus dem Johannesevangelium. Im Kircheninneren, in der Nähe des Haupteingangs, ist das erste zu sehen: „Herr, zeige uns den Vater“ (Joh 14,8), das zweite beim Altar: „Wer mich sieht, der sieht den Vater“ (Joh 14,9). Im ersten artikuliert sich der Zweifel, im anderen die Hoffnung.                                                                                                                                                        Eben diese beiden Gefühle sind es, die auch im Schicksal Hiobs miteinander ringen - dieser Metapher für das Los des Menschen.

Ein weiterer Lehrer Gero Hellmuths war der Maler und Bildhauer Peter Dreher, ein Vertreter des Neorealismus. Viele seiner Arbeiten zeichnet eine besondere Aufmerksamkeit für kleine Dinge und Wesen aus. Er schuf kleinformatige Bilder, Porträts in Öl sowie auch Hinterglasmalereien, von denen er Dutzende hinterlassen hat. Er malte Landschaften, bunte Blumen und schwarz-weiß gehaltene Darstellungen von Totenschädeln, die an stumme Bilder von Massengräbern gemahnen. Er ist Urheber von figurativen Kompositionen in vielerlei Formaten und von Reliefs in Kirchen. Seine Kunst verstand er stets in Verbindung zur Moralität, zum gesellschaftlichen Leben, zur Politik.

Eingetaucht ins Schicksal der Welt

In Gero Hellmuths Arbeiten werden Gemeinschaft und Charakter seiner Ausbildungsstätte sichtbar. Kunstkritiker bemerken auch seine künstlerische Nähe zu Vertretern der Avantgarde des 20. Jahrhunderts wie K. R. H. Sonderborg mit seiner expressiven Abstraktion oder Karl Fred Dahmen mit seinen aus Holz und Metall komponierten Bildern. Was diese beiden einte, war die zentrale Erfahrung des Krieges als totale Zerstörung und Wiederaufbau.

Dasselbe ließe sich von der Kunst Anselm Kiefers, Detlef Kappelers oder Günther Ueckers sagen, der damals erst zwanzig Jahre zählte. Es sei darauf hingewiesen, daß dessen „Buch Hiob“ in Kürze in Stettin zu sehen sein wird.

Gero Hellmuths Werk ist stark mit dem gesellschaftlichen und politischen Alltagsgeschehen verwoben, wie es für die Bildende Kunst der letzten Jahrzehnte ja kennzeichnend ist. Die Kunstschaffenden wirken am gesellschaftlichen und politischen Leben mit, indem sie den öffentlichen Raum mit der Eindringlichkeit symbolischer Handlungen und Bedeutungen sättigen.

Gero Hellmuth ist Schöpfer räumlicher Kompositionen wie des „Kreuzes der Arbeitslosen“, das - von Fall zu Fall - vor Betrieben aufgestellt wird, deren Mitarbeitern der Fall in die Arbeitslosigkeit droht. In seinen jüngsten Arbeiten wird das gegenwärtige Drama von Migration und Flüchtlingsschicksal reflektiert.

Seit vielen Jahren arbeitet der Künstler mit dem Singener Karnevalsverein (Fasnachtsverein) zusammen. Jedes Jahr entwirft er für die jährlichen Feierlichkeiten Originalportraits, Wandmalereien, Karikaturen, Wand- und Deckenfresken, mit Demut ausgeführt, lebhaft, doch zugleich auch melancholisch. In einem Jahr malte er neun Wochen lang an einem Fresko im Gewölbe eines Gebäudes, wie ein Meister der Renaisscance auf einem hohen Gerüst unter der Decke liegend.

Vergessen wir nicht: Der wirkliche Karneval ist kein Vergnügen um seiner selbst willen, sondern ein Kampf des Zeitlichen mit dem Ewigen, des Lebens mit der Vergänglichkeit. Er erinnert an die Fragen, auf die der Mensch niemals eine Antwort findet. Dieses Ausbleiben einer Antwort verhüllt er mit Tanz und plebejischem Spektakel.

Durch eine Fügung des Schicksals brach die Corona-Pandemie in diesem Jahr just während des Karnevals an der Schwelle zur Fastenzeit aus.

Gero Hellmuth greift weit in die historischen und kulturellen Kontexte der Gegenwart aus. In den „Hiob“-Zyklen vergegenwärtigt er jahrhundertealte Probleme und Archetypen mit strikt künstlerischen Mitteln - Farbe, Konstruktion des Raums, Raumtiefe, Materialauswahl.

Aus seinem Schaffen läßt sich die Überzeugung herauslesen, daß der moderne Mensch in das äonenalte Schicksal der Welt eingetaucht ist. Gerade dadurch baut er Brücken zwischen der Geschichte, unserer heutigen Zeit und der Zukunft.

Die Individualität des Leidens. Der Raum zwischen den Fragen

Wohl eben deshalb ist ihm das Buch Hiob so wichtig - dieses Drama von Leid und Hoffnung, das Theologen, Philosophen und Künstler unablässig beschäftigt. Die Zweifel Hiobs bilden sich in unserer Kultur in den Erfahrungen jedes einzelnen Menschen ab, denn das Leiden ist ja letztlich immer individuell. Nur vermuten läßt sich, daß das Los des Menschen zugleich auch die Erfahrung Gottes widerspiegelt, der uns nach seinem Bild und Gleichnis erschuf (Gen. 1,26).

Das Leid resultiert aus der Natur des Lebens selbst - vom Schmerz der Geburt bis zu dem des Todes. Revoltiert der Mensch auch dagegen, so wie er es seit Urzeiten tut, muß er ein solches Leid doch annehmen, trotz der medizinischen Palliativa, die er als Erleichterung zu Hilfe nimmt. Auf die Frage nach dem Grund für dieses Leiden bleibt die Antwort aus.

Es gibt daneben aber auch das Leid, das der Mensch dem Menschen zufügt, in der Anmaßung, über Schmerz und Tod anderer zu entscheiden. Übervoll von solchem Schmerz waren die Jahre des Zweiten Weltkrieges. Denken wir an sie, kehren die Fragen Hiobs zu uns zurück. So wie Christus am Kreuz sprach: „Mein Gott, mein Gott, warum hast du mich verlassen?“ (Mt 27,46; Mk 15,34)

Einige Interpreten der Hiobsgeschichte meinen, sein Leiden habe ihn edler werden lassen. Der Krakauer Priester und Philosoph Prof. Józef Tischner äußerte gegen Ende seines Lebens, auf das Buch Hiob Bezug nehmend, sein berühmtes Diktum: „Leiden adelt nicht.“ Der Ethiker Prof. Tadeusz Gadacz schreibt in seinen Abhandlungen über Hiob, daß das Leiden nicht aus Schuld entsteht. Was also dann?

Ziehen wir noch die Meinung eines Jesuiten heran, Prof. Friedhelm Mennekes, der in seinem Kommentar zu Gero Hellmuths beiden „Hiob“-Zyklen schrieb, „sie helfen, Fragen zu stellen, ohne sie zu formulieren“, und der Sinn solcher Fragen „bestehe oft … gerade in den Räumen des Schweigens und in den Momenten zwischen den Fragen“.

Das trifft durchaus zu, soweit wir die Theologie des Leidens im Blick haben. Es heißt aber nicht, daß wir hier, auf der Erde, den Verursachern des Leides Fragen ersparen oder einen Raum des Schweigens über sie ausbreiten dürfen.

Der Mensch dem Menschen

Gero Hellmuth rührt an die schmerzvollsten Probleme der Menschheitsgeschichte. Zu seinen Arbeiten gehört der Zyklus „Auschwitz“, inspiriert von einem Dokumentarfilm, der die Insassen eines Lagers am Tag ihrer Befreiung zeigt. Auf dem Arm eines von ihnen erblickte der Künstler die eintätowierte Ziffer 19… Diese Zahl wurde ihm zum Symbol des Zwanzigsten Jahrhunderts.

Ein Teil des „Auschwitz-Zyklus“ ist das Triptychon „Auschwitz/Befreiung 1945“, das in seiner formalen Gestaltung dem Kreuz nachempfunden ist. Bei der Ausstellung in Berlin war es auf dem Altar in der bekannten St. Matthäus-Kirche postiert. Es entstand als Erinnerung an den 50. Jahrestag der Befreiung von Auschwitz und des Kriegsendes. Die Jahrestage dieser Ereignisse sind für Gero Hellmuth Stationen einer geistigen Pilgerreise.

Die Aufstellung des Triptychons auf den Altar kommt einer symbolischen Identifikation der Opfer von Auschwitz mit der Kreuzigungsgeschichte Christi gleich. Die Menschen, die dort über Leid und Tod anderer entschieden, handelten in Anmaßung göttlicher Macht.

Der linke Flügel des Triptychons stellt symbolisch die Vernichtung dar, die Mitte den Kreuzesbaum, und die rechte Seite - natürlich - das neue Leben. Somit umspannt das Triptychon den Übergang von der Finsternis des Krieges zum Licht der Zukunft.

Der jüdische Komponist Joseph Dorfman schrieb zu „Auschwitz“ eine Kantate mit dem Titel „…daß sie leben“. Für dieses Werk wählte er Fragmente aus dem Buch Hiob und aus dem Werk „Das Lied vom ausgerotteten jüdischen Volk“ Jitzhak Katzenelsons aus, eines Helden des Warschauer Ghettos, der zusammen mit seinem Sohn in Auschwitz ermordet wurde. Seine Frau und zwei jüngere Söhne kamen in Treblinka um.

Viele Menschen haben die Frage gestellt und stellen sie noch immer: Warum ließ Gott Auschwitz zu? Warum erlaubte er, daß es zu der Kreuzigung kam? In gewisser Weise hat die polnische Schriftstellerin Zofia Narkowska im Jahr 1946 die Antwort darauf gegeben, als sie über einen Band mit Erzählungen über die Zeit der Okkupation das Motto stellte: „Der Mensch hat dem Menschen dieses Los bereitetDie Fragen nach der Kreuzigung, nach Auschwitz sind Fragen nach der Natur des Menschen, danach, was dieses Etwas in uns ist, das uns fähig macht, andere zu vernichten.

An die Türe klopfen

Den Prolog zu der Ausstellung bildet die Skulptur „Der Fund“, ein metallener Türklopfer, geborgen aus der Türe eines Hauses, das in der Zeit des Krieges seine Bewohner verloren hatte. Tagtäglich dient der Klopfer dem Zweck, daß sich hörbar machen kann, wer in das Haus eintreten möchte. Auf der anderen Seite braucht es wiederum einen anderen, der bereit ist, die Türe zu öffnen. Wenn nun zwischen den Menschen auf beiden Seiten der Tür Vertrauen ist, wird sie geöffnet. Im Jahr 1945 wurde die Türe zwischen Polen und Deutschen zugeschlagen. Seit vielen Jahren ist das wieder anders. Es muß nicht immer so sein.

2015 schrieb Gero Hellmuth: „Der Türklopfer weist auf den unschätzbaren Wert des Vertrauens hin, das (…), einer unseligen Vergangenheit zum Trotz, im Lauf der letzten siebzig Jahre zwischen unseren Völkern gewachsen ist. Viele Male begann das damit, daß jemand an eines anderen Tür geklopft hat.“

Dieses Vertrauen muß auf vielerlei Arten erneuert werden, und sei es nur, damit künftig Generationen es für sich überprüfen. Ein Irrtum wäre es aber zu glauben, seine Dauerhaftigkeit ließe sich per Dekret bestimmen. An die Türe muß von beiden Seiten geklopft werden. Eines nämlich ist offensichtlich: Polen und Deutsche wissen zu wenig voneinander. Genau deshalb sind Initiativen wie „Hiob“ von Gero Hellmuth so wertvoll.

Sie sind umso unentbehrlicher, als neue Generationen in das aktive öffentliche Leben hineinwachsen. Der Zweite Weltkrieg rückt unvermeidlich immer mehr in zeitliche Ferne. Das ist gut und natürlich, doch auch bedrohlich in dem Sinne, daß es uns noch nicht gelungen ist, wirksame Schutzmechanismen dem Krieg gegenüber aufzubauen. Indessen gestaltet sich die Welt, die wir kommenden Generationen übergeben, gewaltsam um, schlägt zu mit Klimavernichtung, Dürren, dramatischen Migrationsbewegungen, Fundamentalismus, Kriegen in vielen Ländern dieser Welt, mit dem Leiden von Kindern, Xenophobie, Populismus, Nationalismus und Radikalismus, mit der Pandemie einer neuen Krankheit. So bleibt das Buch Hiob ein ganz und gar gegenwärtiges Drama.

Die Furcht der Kinder

Der Ausstellung, die in Stettin gezeigt wurde, hat Gero Hellmuth einen erschütternden Zyklus beigefügt: „Kinder. Opfer des Krieges zwischen den Grenzen“. Im Katalog schrieb er: „Diese Kinderaugen (…) stellen stumme, bohrende Fragen: Was haben wir euch getan? Was treibt euch an, uns den Frieden zu rauben, das Gefühl der Sicherheit, die Liebe, die Arme unserer Eltern um uns…“ Im vergangenen Jahr zeigte der Künstler in Hilzingen den Zyklus „Schrei der Kriegskinder“, der unter dem Eindruck des Zustroms einer Welle von Flüchtlingen nach Europa entstand.

Erinnern wir uns: 1945 war Gero Hellmuth fünf Jahre alt. Er mußte aus dem elterlichen Haus fliehen. Wie die Kinder aller Kriege hat er die kindliche, diese allerentsetzlichste Furcht kennengelernt.

Der fast gleichaltrige Detlef Kappeler, 1938 in Stettin geboren, floh mit seiner Familie aus dem Haus, unmittelbar vor der Front. Die zu Ruinen zerschossene Stadt brannte, Jagdflieger griffen die Fliehenden an. Viele Jahre später malte er das großformatige Bild „Stettin - Gedanken“. In die Mitte des Bildes stellte er eine aufgeschlitzte, blutende Säule, die an das von Blut überströmte Kreuzesholz gemahnt.

Der verstrickte Mensch

Mit den Reliefs und Gemälden Gero Hellmuths muß man schweigend reden. Ihre Sprache ist die Symbolik der einfachen Linie, die im horizontalen Raum die historische Zeit, im vertikalen die Welt der Werte aufruft. Wir leben an dem Ort, wo beide Linien sich kreuzen: Die Tragik des Lebens ist uns aufgegeben. Was wir immerhin tun können, ist, sie nicht noch weiter zu vermehren: Indem wir zwischen uns Verbindungen schaffen statt Gräben. Der Bogen in den Arbeiten des Künstlers symbolisiert die Idee einer Brücke über Zeit, Grenzen und Ängste hinweg, ähnlich wie der „Große Bogen“ Bernhard Heiligers, die Skulptur dieses geborenen Stettiners, die in ebendieser Stadt aufgestellt ist. Die Reliefs kennzeichnet der gewaltvolle Streit zwischen dem Dauerhaften, Eisernen und dem Flüchtigen und Schwachen, zwischen dem, was an der Oberfläche, und dem, was in der Tiefe liegt. Diese Reliefs beziehen sich auf tiefe Schichten unserer Kultur und unserer Psyche, wo Zweifel und Hoffnung aufeinanderprallen, Unbewußtes auf Bewußtes, und das Leiden als immanentes Merkmal unserer Existenz (bzw. des göttlichen Willens) auf jenes Leiden, das durch uns selbst hervorgerufen wird.

Die Reliefs, die Gemälde und die Zitate aus dem Buch Hiob entwerfen eine dynamische Erzählung von unserem Schicksal, das von Anbeginn zwischen Zerstörung und Wiederaufbau ausgespannt war. In die Bilder ist die Silhouette des Menschen eingeschrieben, verstrickt in Weiß und Schwarz, in Töne von Grau, in die Vieldeutigkeit erwachenden Rots.

Die Perspektive des Lichts

Gero Hellmuths „Hiob“ ist eine metaphorische Erzählung von Sturz und Wiederaufstehen. Nach dem Zweiten Weltkrieg hat die Menschheit sich mühsam wieder erhoben. Die Europäer haben begonnen, ein neues Haus zu bauen, auf den Fundamenten von Übereinkunft, Aussöhnung, Dialog, Kompromiss, Solidarität, dem Glauben an das Gute im Menschen und an seine schöpferische Kraft. Zwar zeitigt das erkleckliche Resultate, doch erstarken in unseren Tagen auch wieder die Kräfte der Destruktion. Die schwindende Erinnerung an den Krieg spielt ihnen in die Hände. Zukunftsängste nehmen zu. Die Korona-Pandemie macht das noch deutlicher.

Gero Hellmuth sieht Schaffen als ein Wirken „gegen das Vergessen“. In seinem Essay „Grenzüberschreitung“ schrieb Hans Gercke, der Ausgangspunkt der Kunst sei „das empathische Mitleiden angesichts des Leidens der anderen“ sowie „die Zuversicht, daß es in all dem (…) eine Perspektive von Licht und Hoffnung geben muß.“

Eine solche Perspektive liegt in den gemeinsamen Unternehmungen polnischer und deutscher Künstler. Sie öffnen Türen.

Hans Gercke, 2019 Baden-Baden

DE PROFUNDIS Zu Gero Hellmuths Zyklus „Schrei der Kriegskinder“

I Dem „Schrei der Kriegskinder“, wie er aus Gero Hellmuths Bildern hervorbricht, wird sich kaum einer der Betrachtenden entziehen können. Dabei bedient sich der Künstler einer Bildsprache, die sich der Peinlichkeit gegenständlicher Wiedergabe all des Furchtbaren, das ihn bewegt, enthält und jeden Anflug von Sensation vermeidet. Doch die Intensität der Arbeiten, die wesentlich von Empathie geprägt ist, aber auch von Trauer und Wut, vermittelt sich dem Betrachter unmittelbar, auch wenn er nicht auf Anhieb all die persönlichen Chiffren und ikonographischen Zeichen entschlüsseln kann, die das gestalterische Konzept des Künstlers bestimmen.
So wenig Kunst im luftleeren Raum entsteht, so sehr sie, wenn sie authentisch ist, von konkreten Erfahrungen und Berührungen ausgeht, so wenig lässt sie sich einschränkend auf bestimmte Fakten festlegen, auch nicht in der historischen Historienmalerei. Immer klingt Zeitlosigkeit und damit Aktualität an, Anfrage an uns, die Betrachtenden, immer wieder gibt es neue Möglichkeiten und Notwendigkeiten der Anknüpfung, und nie fehlt dabei auch die Perspektive der Hoffnung. Wäre dem nicht so, hätte Adorno recht mit seiner Aussage „Nach Auschwitz ein Gedicht zu schreiben ist barbarisch“ (1949).
Aber: Wir brauchen Gedichte, auch heute noch und gerade heute. Wir brauchen die Kunst, brauchen Poesie, Musik, Malerei, gerade in einer Welt, die immer wieder von Rückfällen in die Barbarei geprägt ist. Und wir brauchen Künstler wie Gero Hellmuth, die sich damit nicht abfinden. Die dem Schrecken trotzen, dem Schreck
lichen Widerstand leisten, und sei es auch nur durch den sanften, nicht messbaren, dennoch in seiner Langzeitwirkung nicht zu unterschätzenden Einfluss der Kunst.
Der Ausgangspunkt solcher Kunst ist keineswegs beliebig. Konkrete Ereignisse – an Meldungen in den Medien mangelt es nicht, und heute kann keiner sagen, er habe von alledem nichts gewusst – und persönliche Betroffenheit sind Voraussetzungen einer Kunst, die betroffen macht. Dabei ist sie generell vielschichtig, für Interpretationen unterschiedlicher Art offen, und sie folgt ihren eigenen Gesetzmäßigkeiten. Nur so kann sie wirklich Kunst sein, und nur als solche kann sie bewegen, auch in der ihr eigenen Schönheit, die nichts von Beschönigung an sich hat und nichts von einer Relativierung oder gar Glorifizierung des Grauens.
Gero Hellmuth selbst hat sich hierzu wie folgt geäußert: „Die Thematik des Zyklus Schrei der Kriegskinder ist sehr dunkel. Und es wäre mir nicht schwergefallen, sie in ihrer ganzen Brutalität darzustellen. Das aber will ich den Medien überlassen, die damit auch in einem gewissen Maß der Öffentlichkeit gegenüber ihre Aufgabe erfüllen. Meine Bilder umgehen oder vermeiden diese Dunkelheit nicht; sie ist vielmehr eine Klage und ein Aufschrei, eine Anklage und ein Schrei in die Welt hinaus, die dieses unsägliche Geschehen, dieses Martyrium an den Kindern zulässt.
Aber zugleich enthalten sie eine gewisse Ästhetik, und das soll kein Widerspruch sein. Der Malvorgang ist mit einer tiefen Trauer um die gequälten, wehrlosen Kinder verbunden. Die in diese Bilder eingeflossene Ästhetik sehe ich als ein Verbeugen vor den Kindern in ihrem ganzen Unglück, denen das Recht auf eine freie menschliche Entfaltung brutal verweigert wird. Während des Malvorgangs schließe ich unwillkürlich alle Kinder weltweit ein, denen die natürlichen Menschenrechte auf die vielfältigste Weise entzogen werden.“  

II Die neuen Bilder sind groß und düster, Bilder der Trauer, aber auch des Aufschreis, von dem ihr Titel kündet. Sie stehen als konsequente Weiterentwicklung ganz in der Tradition früherer Arbeiten, und manche Details wie etwa die in Kaskaden fließende Farbe und die immer wieder auftretenden Buchstaben und Zahlen finden sich auch hier. Aber das Grafische, Lineare, das für frühere Arbeiten so charakteristisch war und sich zum Teil in dreidimensionalen Metall-Linien, in Draht und Eisen-Elementen in den Raum hinein fortsetzte, fehlt. Die Bilder konzentrieren sich, vergleichsweise konventionell, auf Farbe und Fläche, vielschichtig erzählt Malerei von Schicksalen, die sich zu einer kaum noch oder auch gar nicht mehr tragbaren Last überlagern. Räumlichkeit entsteht als Blick in einen bodenlosen Abgrund, in eine Tiefe, aus der, wie der bewegende Psalm 130 formuliert, „de profundis“ in glimmendem oder aufloderndem Rot der Schrei hervorbricht.
Rot, die Farbe des Lebens, des Blutes, des Zornes, der Verletzung, aber auch der Liebe und Leidenschaft kam bisher in Hellmuths zumeist erdhaft getönten Bildern allenfalls sporadisch vor. Nun aber tritt sie, zunächst verhalten glimmend, verglimmend, dann aber glühend, glutvoll, expressiv, explosiv, lodernd in aufrüttelnd forderndem Fortissimo dem Betrachter entgegen. Rot hat bekanntlich im Raumspektrum der Farben die Eigenschaft, dem Betrachter entgegen zu stürmen, im Extremfall, ihn zu bedrängen, im Gegensatz zum Blau, das sich und ihn in die Ferne und Weite entzieht. Hinzu kommen in diesen Bildern vor allem die konträren Extrem-Töne Schwarz und Weiß, angebliche „Nicht-Farben“, in Wahrheit aber beide, wenngleich auf unterschiedliche Weise, bezogen auf Licht und Materie, Summe aller Farben. Kaskaden von Weiß ergießen sich über viele dieser Bilder, lassen an Tränen denken, fließen mitunter auch, sich von der Schwerkraft lösend, von der Erde gen Himmel.
Gero Hellmuth geht, darüber wurde häufig geschrieben, in seiner Kunst vom Informel aus, hat diese Bildsprache aber auf sehr indivi
duelle Weise weiterentwickelt. Dazu gehört auch, dass es gegenständliche Anklänge gibt, selten und eher verhalten, schemenhaft, wie Erinnerungen aus dem Farbnebel auftauchend. Und es gibt Texteinschübe, Buchstaben, Zahlen, Satzfragmente, einzelne Wörter, lateinische, kyrillische und hebräische Schriftzeichen. Als neues und im Bildkontext auffallend fremdes, in seiner geometrischen Prägnanz buchstäblich einschneidendes Motiv begegnet das Kreuz. Man sollte es nicht vorschnell mit seiner religiösen Konnotation erklären wollen, obwohl diese natürlich im Bedeutungsspektrum nicht ausgeklammert werden kann. Gemeint ist aber zunächst das Fadenkreuz, in dessen Zentrum das Leben steht, das in Krieg und Flucht ausgelöscht wird.
Und nahezu allgegenwärtig ist, seit Jahren immer wieder in Hellmuths Bilder anzutreffen, die Zahl „19“, teils kryptisch verborgen, teils offensiv hervortretend, teils monumental und solitär, teils in vielfacher Häufung. Schon früh wurde sie zum festen Bestand von Hellmuths persönlicher Ikonographie, ausgelöst und angeregt durch die tätowierte Nummer auf dem Arm eines KZ-Häftlings, die den Künstler bei der Betrachtung eines Films über Auschwitz zutiefst berührt hat. Inzwischen steht sie für jede Art von Gewalt und Missachtung menschlicher Würde, für Entpersonalisierung, als Symbol für das gnadenlose Anonymisieren menschlicher Schicksale, wenn etwa in nüchterner statistischer Auflistung von den Toten der nicht enden wollenden Kriege und den Ertrunkenen im Mittelmeer die Rede ist – eine Arbeit mit dem Titel „Mittelmeer als Friedhof“ nimmt darauf ausdrücklich Bezug.
Doch die „19“ kann auch für das vergangene Jahrhundert stehen und alles, was es uns gebracht hat: Unsägliches Leid, Kriege, Auschwitz, Stalingrad, dann aber auch Demokratisierung, Wiederaufbau, Wirtschaftswunder, Fall der Mauer, Ende des Kalten Krieges, Europa. Hoffnungen wurden geweckt, die das neue Jahrhundert leider schon wieder infrage gestellt hat und weiter infrage stellt, aber bekanntlich stirbt ja die Hoffnung zuletzt.

III Kinderporträts beschließen den Zyklus. Hellmuth schreibt dazu: „Wir alle kennen die Bilder glücklicher Eltern, die mit Freude erwartungsvoll die Entwicklung des jungen Erdenbürgers verfolgen. Die Medien, wie auch Hilfsorganisationen, zeigen uns Aufnahmen von Kindern, die uns allen bekannt sind. Ihre großen Augen zeigen keine erwartungsvolle Neugier, sie sind leer. Ihre Mine kennt keine Begeisterung, keine Freude, keine erwartungsvolle Zuwendung zur Mutter – sie ist leer. Ihr angeborener Bewegungsdrang, ihr erforschendes Greifen nach all den begreifenswerten Dingen dieser Welt ist erlahmt, ein erwartungsvoller Blick zu einer geliebten Person ist erloschen. Die Kinder, die ich porträtiere, zeigen keine Individualität – allenfalls Ausdruck des Leids und der Hoffnungslosigkeit. Es sind keine bestimmten Kinder – es sind all diejenigen, denen weltweit alle Menschenrechte durch brutale Zerstörungswut zertreten wurden.“
Gero Hellmuth, Jahrgang 1940, hat als „Kriegskind“ Not, Angst und Flucht selbst erlebt, aber auch Durchhaltevermögen und Tatkraft. Diese frühen Erlebnisse haben ihn nachhaltig geprägt. In einem Text von 2015 notiert er rückblickend: „Als die Frage gestellt wurde Wollt ihr den totalen Krieg? war ich drei Jahre alt. Das Ende des fatalen Zweiten Weltkriegs erlebte ich mit der Ahnung, Wachheit und Neugierde des fünfjährigen Kindes.“ Die Flucht vor der russischen Armee brachte ihn, seine Eltern und den älteren Bruder in den Westen. Verwandte nahmen die Familie auf, liebevolle Eltern umhegten ihn. Er wuchs auf dem Lande auf, in Schleswig-Holstein, in der Natur und zusammen mit Tieren, lernte zupacken und machte die Erfahrung, dass nur der etwas erreichen kann, der etwas tut:
„Mit aufopfernder Fürsorge kümmerten meine Eltern sich um mich und meinen Bruder. Ihre Existenzgrundlage war ihnen genommen worden, und aus dem Nichts heraus begannen sie, wie Millionen andere auch, mit dem Aufbau eines neuen Lebens. Die bis heute wirkende Lehre daraus war, und ich erinnere mich mit
Dankbarkeit daran: für eine zufriedenstellende Zukunft wird mir nichts geschenkt. Ich selbst muss die Initiative ergreifen, muss selbst Hand anlegen, um meine Zukunft nach meinen Überzeugungen zu gestalten, soweit dies in meiner Kraft steht. Jener Wunsch Nie wieder Krieg, den ich als Kind in meiner Umgebung so deutlich spürte, war der Wunsch, einen immerwährenden Frieden zu schaffen und zu erhalten, und dieser Wunsch zielte letztendlich auf ein friedlich geeintes Europa“.
Gero Hellmuth hat es nicht bei guten Wünschen belassen. An seiner künstlerischen Arbeit ist nicht nur diese selbst bemerkenswert, sondern auch die Energie, mit der er sich erfolgreich um adäquate Präsentationen bemüht. Dabei geht es ihm weniger darum, seine Werke in möglichst prestigeträchtigen Museen oder Galerien zu zeigen, sondern an Orten und im Rahmen optimaler kulturpolitischer Wirksamkeit. Musikalische Beiträge, darunter speziell themenbezogene Kompositionsaufträge sind dabei für den ausübenden Musiker Hellmuth nicht schmückendes Beiwerk, sondern integrierender Bestandteil der Darbietung. Insbesondere liegt ihm die deutsch-polnische Aussöhnung am Herzen, mehrere deutsch-polnische Projekte, u.a. 2018 eine Ausstellung in Szczecin (Stettin), wären hier zu nennen.
„Die Musik“, schreibt Hellmuth in dem bereits zuvor zitierten Text, „spielte in meinem Leben immer eine wesentliche Rolle; so entstanden die Reihen, ‚Bild und Musik‘. Die Musik war es aber auch, die mich zunächst dem Thema ‚Leid und Verfolgung‘ näherbrachte – ab 1986 entstanden die Gemälde-Zyklen nach den Passionen von J. S. Bach und Mendelssohn-Bartholdy. Es folgte ab 1991 der Hiob-Zyklus. Der eigentliche Auslöser, mich bis heute bildnerisch mit Leid und Verfolgung auseinanderzusetzen, war das Jahr 1995, das im Zeichen des Gedenkens an das Kriegsende vor fünfzig Jahren stand. In jenem Jahr entstand die erste Arbeit einer Werkreihe, die bis heute anhält, das Triptychon „Auschwitz/Befreiung.“